Viaje al pasado: el Quattrocento

S. XV-XVI:  "EL RENACIMIENTO"

"El Hombre de Vitruvio", obra de Leonardo da Vinci, expresión del canon estético renacentista.
Nos encontramos en un período de cambios profundos; cambios que afectan tanto al ámbito cultural como al religioso, desde la concepción del propio hombre hasta la de los límites de nuestro planeta. Podemos decir que un conjunto de acontecimientos marcaron un antes y un después en la historia y   abrieron la mente de una Europa Occidental letargada, profundamente arraigada a un período estancado como era la Edad Media. En él, el cristianismo había tomado el mando de la vida europea, los sacramentos impedían el avance de cualquiera de las ciencias existentes desde hacía ya muchos siglos, y sólo los poseedores de títulos, tanto de la nobleza como del clero, sacaban beneficio de aquella situación. Ésta pudo ser la causa de que a lo largo de estos siglos, XIV,XV y XVI, surgiera un movimiento posteriormente conocido como la Reforma Protestante; a la cabeza de la cuál podíamos encontrar nombres como el de Martín Lutero y Juan Calvino.
 Esta revindicación de las injusticias que tenían lugar en aquella época ayudó a la difusión de la nueva corriente intelectual, filosófica y cultural que empezaba a cambiar las bases de la sociedad : el Humanismo. Éste aportaba una nueva concepción del hombre y del mundo; lo que desarrolló una mentalidad erúdita, crítica y apasionada por las ciencias y las artes que se centró en el hombre y sobrestimó los valores humanos. Es decir, suponía una reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática.

Ahora sí, llegamos al movimiento cultural que fue fruto de la difusión de estas nuevas ideas y mostraba como característica primordial una gran admiración por la antigüedad grecorromana: el Renacimiento.  Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, impulsado principalmente por los intelectuales y reformistas de la época.
Nosotros nos centraremos en la pintura italiana quattrocentista (se denomina Quattrocento al período del arte italiano correspondiente al s.XV comprendido dentro de la corriente renacentista),la cuál, como el resto de artes, había recuperado rasgos clasicistas. Éstos son a grandes rasgos: el orden, la proporción, la simetría y el equilibrio; añadiendo las nuevas técnicas de voluminosidad y profundidad o perspectiva características de esta época.
Sin embargo, en el primer Quattrocento, todavía podíamos observar rasgos goticistas que permanecían demasiado arraigados a la pintura del Trecento(período anterior perteneciente al Gótico). Con ellos nos referimos a un ligero comienzo del naturalismo, que será el foco principal del Renacimento; dibujos recargados encuadrados en un fondo de brocados con un gran contenido simbólico, con carácter narrativo y finalidad devota y didáctica(transmitir ideas místicas y religiosas). Abundaban los colores damascos y oros acompañados de brocados, que expresaban situaciones faltas de expresividad y que no llegaban a mostrar fielmente las características de la realidad. Las técnicas empleadas eran variadas en función del soporte en que se realizasen: temple, óleo, pinturas sobre tabla y frescos.Y por último, todavía en el Quattrocento quedaban recuerdos de un miniatura goticista típica de Francia.
El Quattrocento italiano tendrá como sede central la república de Florencia, gracias al apoyo del mecenazgo realizado por parte de grandes familias como los Médicis y al extraordinario desarrollo económico que permitirá el auge del campo de las artes.
Cosme de Médici, "el Gran Maestro"
En consecuencia, aparece la figura del creador de las obras como un artista, el cuál posee su propio taller donde realiza la función de maestro y los clientes pueden acudir a realizar sus encargos. Es gracias a ello que surgen importantes escuelas con peculiaridades propias como la de Florencia, Umbría, Padua y Venecia.
Por lo tanto, para concluir esta introducción, diremos que desde comienzos del siglo XV comenzarán a sucederse una serie de aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje renacentista y que tendrán como características comunes: el gran interés por la representación verista de la naturaleza, la profundidad y las dimensiones. Todo ello tratado desde la pureza y simpleza de las líneas, rasgo diferenciador de la pintura del Gótico.
A continuación nos centraremos en las obras de dos grandes pintores quattrocentistas:


PIERO DELLA FRANCESCA
(Piero de Benedetto Dei Franceschi) 

Piero della Francesca (como lo llama su discípulo Luca Pacioli “el monarca de la pintura”) es el primer pintor del Quattrocento cuya vida y arte desbordan los límites de Florencia y la Toscana. Es el principal propagador de los hallazgos florentinos y llega a convertirse, para la generación de mediados de siglo, en un punto de referencia insoslayable.

Nació en Borgo San Sepolcro (población de Umbría, actualmente, Sansepolcro) entre 1410 y 1420; y murió en el mismo sitio el 12 de octubre de 1492. Pasó sus años juveniles en Florencia donde pudo conocer la pintura de Masaccio. Pero en 1440 abandonó la ciudad para no regresar más; y fueron las pequeñas ciudades de su región natal ( Borgo San Sepolcro, donde fue conceal , Arezzo y las cortes principescas de Urbino y Ferrara) los lugares que recorrió en su andadura.

Sus primeras obras tienen lugar en su ciudad natal y desde el principio se pueden observar las características de su pintura. Su primer políptico, cuya tabla principal es la Virgen de la Misericordia (1445-1462, Pinacoteca Comunal, Sansepolcro)

nos muestra su sentido volumétrico y solidez arquitectónica. Entre 1440 y 1454 pintó en el mismo Borgo la tabla del Bautismo de Cristo(National Gallery, Londres)

                                              
donde los personajes destacan por su perfecta armonía, irradiando una luz dorada y unos colores claros y suaves de su maestro Domenico Veneziano. 
El autor trabajó tanto la simetría y armonía del cuerpo del hombre, como la geometría espacial; todo ello siempre desde el punto de vista de la perspectiva más rigurosa (de la época), la voluminosidad de los cuerpos y el realismo. Dichos rasgos de su pintura los podemos observar en la Flagelación (1455-1460, palacio Ducal, Urbino), donde igualmente estrecha es la equivalencia formal entre las figuras, poderosamente construidas y de tranquila actitud, como solemne es la arquitectura, suma de geometrismo perspectivo y de claridad colorística.

Entre 1452 y 1466, en las paredes del coro de la iglesia de Arezzo tiene lugar su mayor empresa pictórica. Se trata de los frescos de la leyenda de la Vera Cruz, cuya compleja materia iconográfica es extraída de la Leyenda Dorada de Santiago de la Vorágine. A la derecha podemos observar hechos pertenecientes al antiguo testamento como la muerte de Adán y su entierro con la semilla del árbol del Bien y del Mal . A la izquierda, figuran hechos relacionados con la vida de Cristo. Las historias se despliegan en una narración continua y ordenada según un sutil ritmo visual, expresado mediante correspondencias y simetrías entre escena y escena. A destacar: el Sueño de Constantino, del que se reproduce un detalle: tiene lugar la víspera de la batalla de Ponte Milvio, al aparecérsele al emperador un ángel que le tiende el lábaro y le dice: “ In hoc signo vinces” (con esta insignia vencerás). Esta escena nocturna con el relámpago milagroso iluminado del tabernaculum del emperador, impresionó a Rafael como puede apreciarse en su Liberación de San Pedro de las estancias vaticanas. Este tratamiento tan real de la luz es muy innovador para una pintura que poco a poco se acerca a la representación exacta de la realidad, y muy relevante para la historia de la pintura en sí misma.

Otra de sus obras más importantes son: la Madonna del Parto(1459), la Resurrección de Cristo de 1460(donde se incluye a él mismo, haciéndo el autorretrato del comeienzo) y el políptico realizado para la iglesia de San Agustín en Borgo San Sepolcro entre 1454 y 1469, que comprende varios santos de grave porte e impresionante estatura inspirados en Masaccio.
En esta época, Piero también acudió a Roma, donde participó en la pintura de frescos en los palacios vaticanos, hoy desaparecidos.

Obras de la Corte de Urbino: (es en esta época cuando se une a la escuela de la región de Umbría, cuyos integrantes eran prestigiosos pintores del momento como Fra Angélico, Luca Signoreli y Dominico Venezaino que colaboraron en una profunda renovación de las artes pictóricas locales)

·         En las mismas fechas, Piero realiza obras como el célebre díptico de los duques de Urbino(Galería de los Uffizi, Florencia), buena muestra de su talento retratístico y muy característica del autor. Se trata de una pintura al temple sobre madera cuyas medidas son: 47 cm de alto y 33cm de ancho (cada panel).
Su datación no es concreta, ya que existen referencias de algunos autores que se inclinan hacia la fecha de 1456; y por otro lado, hay autores que lo enmarcan entre 1460y 1470. Si la fecha correcta se encontrase entre dicho período, implicaría que la duquesa Battista habría muerto (26 años) y por lo tanto el autor habría utilizado su máscara mortuoria para realizar el retrato.
Se trata de un díptico pintado por ambas caras que es comúnmente conocido como Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro, o Triunfo de la Castidad. En una de sus caras podemos ver el retrato de los duques mirándose el uno al otro (cada uno en un panel). Es uno de los primeros retratos del Renacimiento y el hecho de que se muestren los retratados de perfil está influido por el arte de acuñación de medallas ( "produce una mayor idealización que el retrato de tres cuartos") y es muy típico del quqttrocento. Hubo una época en que los dos cuadros estuvieron unidos por un único marco, pero en la actualidad se encuentran separados.
El retrato muestra a la perfección el carácter de los duques, a juzgar por las palabras de Vespasiano da Bisticci: “él era de natural colérico, pero ella sabía templarlo con mesurada prudencia”.



Los dos perfiles se encuentran enmarcados por un amplio paisaje de la toscana italiana idelaizado y en perspectiva. Como podemos observar, las figuras se encuentran en una posición sobreelevada con respecto a éste, lo que les confiere voluminosidad, y en especial a Federico de Montefeltro debido al gorro del mismo color que los ropajes. Esta colocación de las figuras no tiene precedente en la pintura italiana, sino que es debida a la influencia flamenca, como podemos comprobar con la Virgen del Canciller Rolin (Jan van Eyck en 1435, Museo del Louvre), obra goticista donde es retratado Felipe el Bueno, funcionario de la corte de Borgoña.

Dicha unión del estilo italiano y el flamenco se ve reflejada también en la preocupación minuciosa y sutil por los detalles, como "las joyas de Battista Sforza, el velado de óleo sumamente sutil alcanza una realidad que, en la pintura italiana coetánea, sólo consigue Antonello da Messina".

 

La pintura de Piero della Francesca es característica por su prodigiosa luminosidad, rasgo que podemos confirmar en el retrato de Battista, donde su rostro es iluminado por la luz que proviene de la espalda de su marido, haciéndolo parecer más blanco.

 

Federico Montefeltro había perdido un ojo durante un torneo, defecto que el riguroso perfil del díptico consigue ocultar. Sin embargo, la peculiar forma de su nariz, producida por el mismo accidente, es perfectamente resaltada. Tampoco disimula ningún defecto como los pliegues de los párpados o las verrugas.


En el reverso del díptico encontramos una escena totalmente diferente, ya que hay muchos más personajes; pero sin embargo, el perfil y el paisaje de fondo son conservados. Lo que se representa en ella es la marcha triunfal de los duques al modo antiguo, yendo éstos en dos carros triunfales de caballos cuyo sentido es opuesto, del mismo modo que en los retratos. Se denomina los Triunfos de Federico de Montefeltro y Battista de Sforza; lo cuál hace referencia a su llegada a la villa acompañados por ángeles y unicornios, símbolo de castidad.
















A la izquierda, observamos al duque que está siendo coronado por la Victoria, la cuál se encuentra de pie y detrás de él (representado por un ángel). Los caballos de este carruaje no techado (se encuentra sobre él exclusivamente un trono donde está sentado) son conducidos por el Amor (podría referirse a Cupido). Entre el duque y el Amor, se agrupan sentadas en el propio carruaje las Virtudes cardinales, representadas por mujeres de clase alta
A la derecha, podemos ver a la duquesa que está sentada en un carro triunfal de la misma índole del de su marido, pero en éste caso, llevado por unicornios. Battista de Sforza es asistida por varias figuras femeninas que se encuentran repartidas por el carruaje. En concreto, las dos mujeres sentadas detrás de los unicornios represetan a la Fe y la Caridad.

·         La Natividad (1460-1470, National Gallery, Londres), refleja el conocimiento de la pintura flamenca y una nueva sensibilidad conseguida a través de la riqueza cromática y la luminosidad (como elemento unificador).

·         La Madonna de Senigalia (1478,Galería Nacional, Urbino) donde se aprecian los ecos de la pintura flamenca.

·         La Madonna de Brera o Sacra Conversazione* (14669-1474, pinoteca de Brera, Milán), última obra realizada por el artista antes de perder la visión, donde se presenta a la Virgen con el Niño, seis santos y cuatro ángeles, ante los que se arrodilla el duque Federico. La relación entre figuras y el fondo arquitectónico es muy estrecha, lo que nos hace dudar el hecho de quién determina a quién.

  *Sacra Conversazione:  tema definido y característico del primer Renacimiento italiano; consiste en una representación de la Virgen María con el Niño que se encuentra reunida con varios santos (y en este caso tambien con el dueño de la obra). Le escena puede recordar a una gran dama que está recibiendo a sus visitas, en actitud de charlar amistosamente. Es un modo de tratar una escena divina de manera más natural y a su vez, con personajes que no pertenecen a un mismo pasaje real de la historia sagrada.

 Finalmente, Piero della Francesca fue reputado por sus contemporáneos como sumo matemático y teórico, abandonó los pinceles en torno a 1470 para escribir dos libros : De quinque corporibus regularibus (óspulo sobre los cuerpos puros) y De prospectiva pingendi (primer tratado sobre la perspectiva en lengua vulgar para le uso de pintores).

Para concluir, destacaremos las peculiaridades de la pintura de este gran autor que hacen que sea el más importante del primer Renacimiento italiano:

• Personajes con rasgos que les confieren impersonalidad y nobleza; facetas que van a caracterizar sus figuras: una campesina y tosca; la otra, caballeresca y heroica. Donde podemos observar el acento épico de gran parte de su obra. 
• Estilo cargado de calma imbuida de solemnidad y caracterizado por el rasgo seco y escultórico.
• Precisión matemática, espacio racional y coherente.
• Soberbio sentido plástico, voluminosidad, estudio anatómico y cierta monumentalidad.
• Rigurosa perspectiva.
• Pureza colorística.
• Prodigiosa luminosidad; material dotado de luz propia, íntima y radiante.
• Sentido del ritmo que confiere a sus pinturas un halo eterno inconfundible. Cierta inexpresividad o frialdad.
• Dignidad clásica similar a Masaccio.

TIZIANO
(Tiziano Vecellio di Gregorio)

                    (autorretrato, 1562)

La fecha de nacimiento del maestro más importante de la escuela veneciana del Quattrocento tardío (su pintura no se encuentra en la transición entre el Gótico y el Renacimiento) italiano no se conoce con exactitud. Algunos autores la centran entorno a 1477( Tiziano envía a Felipe II una carta en 1571 presentándose como "este servidor suyo de 95 años de edad"),otros aseguran que estaría entre 1488 y 1490(tanto Ludovico Dolce como Vasari, contemporáneos suyos), mientras que otros la retrasan hasta 1485(retablo de Jacopo Pesaro presentado por el papa Alejandro VI a San Pedro,



realizado entre 1503 y 1506, Tiziano debía ser un artista formado). Aún así, nos consta una tercera hipótesis basa en su partida de defunción, guardada en la iglesia veneciana de San Canciano, la cuál afirma que el artista murió a la "edad de ciento tres años"; lo que significaría que habría nacido en 1473. Sin embargo, si que existe un consenso respecto al lugar de nacimiento: Pieve di Cadore, Belluno (Alpes Vénetos).
Procedente de una distinguida familia, debido a las respetables profesiones que llevaban arrastrando los miembros de ésta desde el siglo XIII. Era el cuarto hijo de Gregorio Vecelli, un distinguido concejal y militar. A pesar de no existir ningún antecedente artístico en su familia, tanto él como su hermano Francesco desarrollaron una gran pasión por la pintura, lo que hizo que a muy temprana edad (10 años) fuesen enviados para ingresar como aprendices en el taller de un famoso mosaiquista,
Sebastiano Zuccato (San Marcos). Éste tenía un limitado talento pictórico, y el maestro se dio cuenta de que Tiziano, pintor precoz, podría mejorar en dicho ámbito y lo envió al estudio del venerable pintor Giovanni Bellini






(habiendo pasado antes por el de Gentile Bellini que no fue de su agrado), que en ese momento era el artista más reconocido de la ciudad y pintor de la Serenísima República de Venecia. Allí se encontró con los jóvenes que conformarían la primera generación de pintores de la Escuela veneciana como fueron Giovanni Palma da Serinalta, Lorenzo Lotto, Sebastiano Luciani, y Giorgione. La influencia de éste último junto con la de su nuevo maestro perdurará en Tiziano y no sería erradicada tan fácilmente. Podemos ver este hecho en su interés por la luz, el color, el paisaje y las relaciones existentes entre dichos elementos.
Además, el autor tomó aprendizaje de los artistas nórdicos como Durero en la forma de representar un paisaje de la manera más realista posible.
La importancia de Tiziano como artista quattrocentista existió desde el principio de su carrera, como afirman algunos autores, si Tiziano hubiese muerto a la edad de 40, su fama y gloria no sería muy diferente, y se le seguiría considerando el artista más influyente de su época. Es por ello que sus contemporáneos lo conocían como "el sol entre las estrellas".
Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos y no sólo por las múltiples variables en que basa sus obras, pudiendo éstas ser tanto retratos o paisajes (temas que le lanzaron a la fama), como escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa; sino por su longeva vida, que le permitió atravesar muchas etapas y estilos que fue cambiando drásticamente. Debamos tener en cuenta que la mayor parte de su obra fue realizada por encargos tanto eclesiásticos como de reyes.
En 1511, y después de haber realizado la Pala de San Marcos como encargo para intentar combatir la peste, huyó de ésta a Padua, donde le fueron encargados frescos para  la Scuola de San Antonio. Después regrsó a Venecia donde le concedieron el título de primer pintor de la república (hasta entonces en manos de Bellini).
En 1515 realizará una de sus obras más importantes que es utilizada en la actualidad para conocer el ideal de belleza renacentista. La belleza sensual de Flora con su cabello dorado, su delicada piel y su expresivo gesto hacen de esta obra un auténtico retrato:

• Flora (Galería de Uffizi, Florencia).

Esta obra pertenece a un conjunto de pinturas realizado en esta década que tienen en común a la mujer como protegonista. Flora es la obra más importante del mismo, y en ella podemos ver uno de los rasgos más importantes de la creación de Tiziano como es la sensualidad y belleza de los personajes representados. La mujer porta en su mano derecha unas flores mientras que en su mano izquierda sostiene el eleganet manto carmesí, aumentando dicho contenido sensual ya no sólo representado en la expresividad corporal de la mujer, sino dejando al descubierto parte de sus encantos.

Este gesto de Flora hace que los especialistas no puedan decantarse por una versión u otra: prostituta que ofrece sus servicios a los clientes o desposada. Éste última se justifica porque sólo muestra un pecho, lo cúal podría representar la mezcla de "voluptas y puditicia" que caracteriza, según la ideología renacentista, a la desposada.

Otros de los rasgos pecualires de su pintura, si no son los más importantes, pueden verse tratados en esta obra. Nos referimos a la luz dorada que envuleve la escena y la riqueza que desprenden los personajes (tanto en expresividad y naturalidad como en movimiento, que en ocasiones es demadiado acusado, aunque en este caso sólo pueda apreciarse en el realismo de sus ropajes), los cuáles pertenecen la mayoría a una clase social elevada o a los Sagrados Testamentos. Pero como es obvio, no podemos olvidar el color que se adueña de la composición, con predominio de los nacarados, como en este caso el vestido (parte central de la obra).

La mayoría de sus composiciones se encuentran muy recargadas (de hecho, en ocasiones se pueden observar rasgos del Barroco), pero sin embargo, en este caso el autor utiliza un fondo neutro y oscuro con el que dota de mayor volumetría al conjunto.

Podemos ver ciertos elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje impartido por Bellini como es el excelente dibujo empleado que destaca la riqueza de las telas y el detallismo de las flores.

En 1515, creó también una de sus obras más conocidas:

Amor sacro y amor profano, pintado hacia 1515, está relacionado con el neoplatonismo en esta doble vertiente de amor; la celeste y la vulgar (Galería Borghese)

Por esta época, en 1516 cuando recibe la Senseria(título), y después de haber abierto su primer taller en San Samuele, le son encargadas varias de sus obras más importantes como la Asunción para Santa Maria Gloriosa dei Frari,

y obras para la Cámara de Alabastro del castillo de Ferrara (relación con Alfonso I d´Este, duque de Ferrara) como:

La Bacanal     (1518-19)

la Ofrenda a Venus

Baco y Ariadna

En 1523 entra en contacto con el duque de Mantua, que junto al anterior fue uno de sus clientes más importantes, y conoce a su futura esposa Cecilia; la cuál de da 3 hijos antes de su muerte en 1530. Gracias a este duque, Federico Gonzaga, conoce al emperador Carlos V y se crea una estrecha relación entre el autor y la corona española. El emperador fue retratado por Tiziano en 1548,  Carlos V a caballo en Mühlberg, retrato iconográfico por excelencia.

Desde 1531 vivirá en una confortable casa en Biri Grande, en la parroquia veneciana de San Canciano, donde permanecerá hasta su fallecimiento. Y es por estas fechas es cuando conoce a su último gran valedor, el duque de Urbino, Francesco Maria della Rovere, para el que trabajará durante los siguientes 30 años. Las obras más importantes realizadas para él serán su retrato,

• la famosa Venus de Urbino (1538)

Esta obra fue inspirada en la Venus dormida de Giorgione,


pero a diferencia de ésta, la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior. Desde 1963, se mantiene la hipótesis de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga, esposa del duque de Urbino.
En esta obra podemos observar todos los rasgos anteriormente mencionados en el caso de Flora, ya que la sensualidad y la belleza de la diosa del Amor son el tema principal de la pintura. Además, la mujer porta también flores en la mano derecha. A diferencia, en este caso la mujer se encuentra completamente al desnudo, la mano izquierda cubre su pubis y sus cabellos dorados recaen sobre los hombros, creando una figura de evidente clave erótica. La cuál es a su vez transmitida desde la calma y la tranquilidad, sensaciones que son reforzadas por el perrito que duerme en una esquina de la cama.
El cuadro fue hecho para Guidobaldo della Rovere, el hijo del duque de Urbino, de donde podemos obterner una de las versiones del siginifado de esta obra: se trataría de una alegoría nupcial en clave neoplatónica, el retrato de su esposa que acababa de abandonar la pubertad. Otros especialistas creen que se trata simplemente del retrato de una conocida cortesana de la ciudad.
Se trata de la primera ocasión en que Tiziano pinta una figura de Venus, mostrándola en un interior, situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana blanca. La hermosa mujer se encuentra en primer plano siendo protagonista de la obra y dirige su mirada al espectador con cierta provocación.
Hasta entonces Tiziano había tratado de idealizar la belleza, pero en este caso se trata de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso. Un potente foco de luz dorada se dirige hacia el cuerpo de Venus, otorgando así mayor veracidad al conjunto. La claridad de la carnación y las telas de tonos nacarinos sirven de contraste con la pared haciendo un juego de color muy típico del maestro.
Como es evidente, no ha olvidado la preocupación por la perspectiva, perfectamente creada a través de las baldosas, la columna del fondo y el árbol. Podemos apreciar la estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y dicho árbol lo que remarca la profundidad del dibujo. En ella, dos jóvenes se afanan en buscar ropas en un arcón, siendo esta escena un precioso complemento a la figura desnuda.
Observamos más rasgos propios de Tiziano como su gran carga de óleo en cada pincelada, su cuidada distribución de las figuras en el espacio y la expresividad que muestran los personajes en sus rostros y en sus posturas.

...o la Magdalena penitente de la Galería Palatina de Florencia. (1565)



Desde1539 el maestro veneciano se pondrá en contacto con jóvenes artistas romanos llegados a Venecia como Francesco Salviati, Giovanni da Udine y Giorgio Vasari. Estas nuevas relaciones provocarán uno de los cambios estilísticos más importantes de su pintura: el Manierismo. Aún así, Tiziano nunca renunciará a la luz dorada y el color que son la base de su pintura. Este cambio estilístico se aprecia, por ejemplo, en la Coronación de espinas (1542-44)

Sin embargo, estos cambios apenas afectarán a los retratos, a los cuales simplemente se la aportará una mayor penetración psicológica y una técnica de ejecución más rápida. Ejemplos:
retratos de Ranuccio Farnese (1542)

el papa Paulo III

o el Aretino.

En 1545 se traslada a Roma con la promesa de recibir algunos beneficios eclesiásticos para su hijo Pomponio. La estancia en Roma será un auténtico triunfo, obteniendo numerosos encargos como:
los retratos de Paulo III con sus nietos



o Dánae


En marzo de 1546 vuelve a Venecia para quedarse hasta su defunción.Tiziano está en su momento de mayor apogeo.
En 1548 se reune con Carlos V y realiza el retrato antes mencionado.
En 1550 aparece la figura de Tintoretto y Veranés que se encargarán de la pintura veneciana, ya que Tiziano se desvincula de ella rechazando todos los encargos. Esto de debe a la dedicación en exclusiva a la casa de Austria, convirtiéndose Felipe II en su mejor cliente. Para este futuro monarca español creará las "poesías" inspiradas en la "Metamorfosis" de Ovidio. Éstas son un conjunto de seis espectaculares lienzos:
Dánae recibiendo la lluvia de oro                               Venus y Adonis


Diana y Acteón                                                           Diana y Calisto


el Rapto de Europa                 Perseo y Andrómeda
 
Como podemos observar en estas últimas obras retoma el estilo de sus comienzos, obras cargadas de sensualidad y con un movimiento muy acusado.
Por lo tanto, podríamos afirmar que el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Y dentro de ella, sus retratos, que destacan por la captación de la sicología y temperamento del personaje y la atención que presta a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada.

A partir de 1555, Tiziano comienza a sentirse viejo y abandonado y el estilo de su pintura vuelve a cambiar, consistiendo en este caso en una introducción de dramatismo y mayor tensión. Dichos nuevos rasgos pueden apreciarse en los Entierros de Cristo (Museo del Prado).

Sin renunciar nunca al color y la luz, se puede apreciar una mayor contundencia en las pinceladas, lop que supone una sensación atmosférica y abocetada que lleva a los especialistas a denominar esta etapa final como "impresionismo mágico".
En la última etapa de su vida siguió realizando encargos de Felipe II como :
la Religión socorrida por España                                         Ofrenda de Felipe II


Fue nombrado miembro de la Academia del Dibujo de Florencia, debido a su importancia en el ambiente artístico, junto a Tintoretto y Palladio.
Su última obra, que debió ser completada por su discípulo Palma el Joven, fue creada para su tumba utilizando un último estilo en el que diluyendo las figuras con fluidos y rápidos toques de color y luz convertía en expresivas manchas el conjunto. Ésta es la Piedad (1576)


El gran Tiziano fallecía el 27 de agosto de 1576 en Venecia, víctima de la peste y enterrado en la iglesia de Santa Maria Gloriosa dei Frari.


Fuentes de información:
(libros)

• Enciclopedia "Historia del arte", editorial "Oceano-Instituto Gallach", autores varios, año de publicación 1997

(online)
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http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5228.htm (1-3-2012)
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=3766 (2-3-2012)
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/personajes/3451.htm (2-3-2012)
http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_07_08/tiziano.htm (2-3-2012)
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http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/12523.htm (3-3-2012)